Todos estos eventos estuvieron enmarcados por las obras que los alumnos de todos los niveles realizaron en plástica, tomando como hilo conductor el Arte de los años 60, conmemorando así el inicio de Woodville en 1961: arte con cenizas volcánicas, esculturas en yeso, trabajos realizados en gran formato tomando como motivación artistas de aquellos años (Berni, Xul Solar, Marta Minujin, Miró, entre otros), diseño de indumentaria y retratos de músicos usando material de descarte, llenaron la Bienal de color y creatividad. El arte óptico, el pop art , el uso de material no convencional y las instalaciones fueron verdaderos protagonistas en la muestra.

El Área Artística celebró el cincuentenario de Woodville con sonidos, pinceles, letras y movimiento, pero, además, nos dejó a todos la alegría de descubrir, detrás de cada alumno, verdaderos artistas con mucho talento y mucho para decir.

Un gracias especial al equipo de mantenimiento, que una vez mas hace posible dar rienda suelta a la inventiva propia de nuestra área, y a los docentes del Área Artística por sostener un trabajo de calidad durante todo el año con buen humor, talento y creatividad.

¡Hasta la próxima Bienal 2013!

Graciela Heguy, Coordinadora Institucional de Arte

Una instalación artística es un género de arte contemporáneo que comenzó a tomar un fuerte impulso a partir de la década de 1970.
La instalaciones son estructuras artísticas complejas, que comprenden diversos objetos, videos, o presencia humana y otras manifestaciones plásticas; por lo general, incorporan también al espectador, con su intervención en el espacio, con la actuación directa sobre alguno de los objetos instalados o vía circuitos cerrados de TV que incorporan la imagen del mismo.

El objetivo de las instalaciones es crear una experiencia visceral o conceptual en un ambiente determinado.

Todos estos elementos son integrados en un espacio físico (sala de galería o museo), con una intención unitaria que se mantiene mientras existe la instalación, ya que una vez desmontada, deja de existir, para quedar solamente registrada en fotos o videos. Sólo pueden existir en el espacio para el cual son creadas.

Muchos encuentran los orígenes de este movimiento en artistas como Marcel Duchamp y el uso de objetos cotidianos resignificados como obra artística, más que la apreciación de la escultura tradicional que se basa en el trabajo artístico.  La intención del artista es primordial en cada instalación, debido a su conexión con el arte conceptual de la década de 1960, lo que nuevamente es una separación de la escultura tradicional que tiene su principal interés en la forma.

El término Pop-Art se acuñó, sobre un grupo de artistas que pretendían crear ilusiones ópticas en sus obras. En 1965, el MoMA organizó una exposición llamada The Responsive Eye en el cual varios artistas, representantes de este movimiento, mostraron sus obras, quedando completamente definido este nuevo estilo.

El Pop-Art se caracteriza por varios aspectos:

    *  Se pretende crear efectos visuales tales como movimiento aparente, vibración, parpadeo o difuminación.
    *  Usa los recursos de líneas paralelas, contrastes cromáticos marcados, cambios de forma y tamaño, combinación y repetición de formas y figuras.  Usa también figuras geométricas simples, como rectángulos, triángulos y circunferencias en tramados, combinaciones o formaciones complejas.
    *  En muchos casos el observador participa activamente moviéndose o desplazándose para poder captar el efecto óptico completamente.
    *  Se usa el acrílico para obtener superficies lisas, limpias y muy bien definidas.
    *  El artista del Pop-Art no pretende plasmar en su obra sensaciones o situaciones, no existe ningún aspecto emocional en la obra.

Un representante muy significativo del Pop Art es el argentino Julio Le Parc.

La escultura expresa la forma verdadera sin fingir la tercera dimensión como la pintura. El escultor tiene que calcular el efecto que produciría su obra desde diversos puntos de vista a la vez.

La escultura, al igual que la arquitectura, es función de la luz.  Un juego de iluminaciones hace cambiar por completo el sentido escultórico de una obra.

La escultura en yeso es un trabajo de talla.  El escultor ha de golpear el material, pero cuentan con ciertos recursos y herramientas que le ayudan a la tarea, pudiendo arrancar el escultor por medio de enérgicos golpes pedazos del material situado fuera de su objetivo volumétrico. 

Luego vendrá un trabajo más delicado de lijado y cuidado de los detalles.  También es importante pensar en un soporte adecuado.
Cerámica: Una forma especial de acercarse a la escultura es la cerámica.  La cerámica consiste en arcilla modelada y luego cocida en horno, entre 950 y 1200 grados aprox., con la posibilidad de aplicación de color en una segunda hornada o en la inicial.  Con la cerámica se pueden hacer todo tipo de objetos, que van desde lo útiles conocidos por todos hasta las más sorprendentes esculturas en formatos enormes.  En nuestro caso hemos hecho unos cuencos que luego esmaltamos y también un ejercicio de diseño sobre una placa tratada luego con vidrios. 

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